作者 | 赤木瓶子
编辑 | 糖炒山楂
过去几年，“演员唱 OST ”还只是一种常规的剧宣手段，是影视产业链上一个辅助环节。但如今，情况正在发生根本性变化。越来越多的演员开始系统性地布局音乐赛道：参加专业音综、举办个人演唱会、发行正式单曲甚至专辑。一些演员，已经拥有了不逊于一线职业歌手的线下票房号召力，在万人体育馆开演唱会，这一现象几乎打破了传统音乐人对万人馆的认知。
5 月 21 日上午 10 点，白鹿“十周年拾光音乐会”门票开售，大麦平台显示，该场演出“想看”人数高达 37.6 万，这一数字超过了同期平台上九成以上专业歌手的演出，最终门票在一秒内宣告售罄。而在此之前，这种“顶流流量在线下演出市场暴力落地”的奇观，早已不是孤例。
5 月 9 日，赵露思在泰国曼谷成功举办首场海外个人演唱会，并顺势官宣了后续的澳门站及 7 月巡演计划；1 月，王鹤棣在澳门的“ 2026 王鹤棣 D.PARTY 演唱会” 3.2 万张门票在 3 分钟内售罄；阔别“歌坛”已久的谢娜，也在 5 月 5 日至 6 日的成都个人演唱会上，达成两场 1.5 万张门票售罄。
对于当下的追星人而言，在传统的“超话打卡、荧幕追剧、商务买单”之外，一场能够亲临现场、与偶像共度数小时的演唱会，正迅速成为凝聚粉丝情感、验证艺人号召力的全新核心场景。一个越来越清晰的问题浮出水面：为什么这些以演戏为本职的明星，如今必须开始“唱歌”？
“唱歌”的门槛，消失了？
过去的音乐综艺，底色是专业性。无论是早年的《我是歌手》《中国好声音》，还是早期的音乐竞演节目，核心逻辑始终围绕唱功、作品与现场实力展开。但近两年，音综的嘉宾构成悄然改变，演员、流量艺人开始大规模进入音乐节目，音乐舞台与明星内容消费之间的边界日益模糊。
这种“演员跨界唱歌”的趋势，并没有止步于综艺舞台，而是迅速蔓延到了更广阔的线下演出市场。以今日开票的白鹿“十周年拾光音乐会”为例，官方将活动定性为“音乐演出类粉丝见面会”而非纯商业演唱会，据悉，白鹿为此专门暂停了半年的影视拍摄——这种时间成本的投入，足以说明其团队对音乐赛道的战略性重视，类似的案例正在频频发生。
更进一步的变化在于，演员们不再满足于在综艺或演唱会上翻唱作品，而是开始像职业歌手一样系统性地打磨自己的音乐作品。过去，演员与音乐的关联大多停留在“唱一首 OST 主题曲”的浅层合作。如今，一批年轻演员以职业歌手的标准配置，发行个人 EP、录制完整录音室专辑、持续推出数字单曲等，系统性地构建自己的音乐身份。
梳理近年来的动作，不少传统视角中的“演员”们正在音乐创作的道路上进行尝试。2024 年 9 月，白鹿推出了个人 EP《My Odyssey》；同年 12 月，王鹤棣发行了录音室专辑《少年梦》；赵露思在演唱多部剧集 OST 之外还推出了多支个人单曲；王安宇以《半秒如果》《风中的人》《追光的你》等数字单曲持续输出，吴俊霆虽以演员身份为主，但已参与影视原声及综艺合唱，同样在音乐领域试水。
值得注意的是，这股跨界潮并非全然是“赶鸭子上架”。不少演员本身就具备良好的音乐底子。比如出现在综艺《超燃青春的合唱》的张新成，就毕业于中央戏剧学院音乐剧系。并且在近几年接连推出迷你专辑《2022 太空漫游》和录音室专辑《不适应症》。
当演员“唱歌”不再是偶尔的玩票或剧宣任务，而是一条被认真规划的平行职业线时，一个有趣的问题随之浮现：这股跨界热潮，究竟是谁在背后推动？
谁在制造“全能艺人”？
演员们“必须唱歌”的背后，并非单一力量驱动，而是平台资本的战略需求、综艺节目的内容机制，以及现实演出市场严重的供需失衡共同作用、相互强化的结果。
首先，平台正在主动制造和渴求“全能艺人”。长剧红利衰退，影视项目不确定性增高，艺人需要新的曝光场。而音综和演唱会恰好是个不错选择，录制周期短、话题热度高、票务和商务变现路径直接。平台也乐于扶持那些能演戏、能唱歌、能上综艺的“多面手”，因为这类艺人可以在一份长约中为平台提供多个业务板块的回报，商业性价比极高。
其次，综艺内容本身正在将“跨界”塑造成一种核心看点。观众对“演员唱歌”乐此不疲，并非因为他们唱得比专业歌手更好，恰恰相反，是因为其中充满了“未知的不确定性”和由此带来的戏剧张力。
正在热播的《乘风 2026》主打全程直播、全开麦不修音，这让原本流水线式的舞台变成了一个充满反差与戏剧效果的修罗场。节目首个大范围出圈的内容，不是完美的声乐技巧，而是演员李小冉跑音版的“一天一天贴近你的心”，让大众熟悉的经典台剧《命中注定我爱你》的主题曲《心愿便利贴》以意想不到的抽象“声”入人心，也让 50 岁的李小冉生生在第一阶段拿下了个人乘风值榜首。
无独有偶，唐艺昕在二公舞台上挑战偶像团体硬糖少女 303 的《BONBON GIRLS》，并且是烫嘴的开场说唱部分，面对原曲密集、烫嘴的说唱开场，一名非专业歌手在挑战高难度女团舞曲时制造出的那种“嘴里像炒了一盘菜”、表情管理却相当优秀的反差，迅速引发了全网的玩梗狂欢，收获了另一种人气叙事。
某种程度上，“跨界”本身已经成为节目的一部分观赏性来源。跨界，之所以是观众爱看的，因为观众真正期待的，未必是完美舞台，而是熟悉演员进入陌生领域后的反差，不确定性带来的戏剧效果，以及明星作为普通人的接地气时刻。
这也是为什么音综乃至综艺需要持续寻找新的支点。一档夫妻音乐竞演综艺的导演曾向娱乐独角兽坦言：“目前大部分音乐节目都是‘阅后即焚’，看完没有痕迹。但如果做夫妻相处之道，那是大家感兴趣的话题。”这句话道破了当下音综的制作密码，当音乐本身已经难以留住观众，思路调转，明星的情感关系与人设反差等，或许会是新的挖掘点。于是，演员、cp、喜剧人们轮番登场，试图为音综带来新的涟漪。
最后，也是最为根本的驱动力量，来自演出市场极端的供需失衡。一边是头部演员的演唱会一票难求，而在另一端，大量中小型音乐节和 Livehouse 演出却因为票房惨淡、入不敷出，不得不在临开场前仓促宣布取消。这并非观众天生喜新厌旧，也不是大家对音乐失去了热情。真相或许更现实：当每一分消费支出都被反复掂量时，人们更愿意把有限的预算投向那张“最熟悉的脸”，去换取一场“最稳妥的情绪体验”。
是观众永远追逐“新鲜感”吗？也不尽然。市场永远逐利，资本自然会涌向那些能最快、最稳兑现回报的标的。于是，演员们在这两年成为各大音乐节舞台上的惊喜嘉宾，白鹿、赵露思、王鹤棣们被成批地推上舞台的中央，消费越发趋于谨慎的当下，市场更愿意为“最熟悉的脸”和“最稳妥的情绪体验”高溢价付费，资本自会顺应市场。
从音综到万人体育馆，演员“必须唱歌”并非偶然，平台需要全能资产，综艺迷恋反差效果，市场则把“熟人经济”玩到了极致。当潮水褪去，那些既有人气、又愿意在专业上下苦功的人，才会真正留下来。而“唱歌”这件事，也终将在跨界与回归的反复震荡中，找到它新的平衡点。
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